Modern művészet - a művészet és a kultúra
1. Modern előfutáraként a modern művészet
3. A születése és fejlődése a modern művészet
Irodalom
Contemporary art jelenlegi formájában alakult az viszont a 1960-1970-es években. Art kiválasztás az időben lehet leírni, mint alternatíváinak keresése modernizmus (gyakran ez eredményezi a tagadás bevezetése révén közvetlenül szemközti elveinek modernizmus). Ezt tükrözte a keresést az új képeket, új eszközöket és anyagokat a kifejezés, akár dematerializációjának a tárgy (előadások és történések). Sok művész követte a francia filozófusok megalkotta a „posztmodern”. Azt mondhatjuk, hogy volt egy váltás objektumot folyamatot.
A végén a 70-es és 80-as volt a jellemző „fáradtságot” a konceptuális művészet és a minimalizmus és a visszatérés az érdeke, hogy grafikus, színes és figurális (a virágzás ilyen mozgalmak, mint a „New Wild”). A 80-as évek közepén teszik az emelkedési mozgások, amelyek aktívan használni a képeket a tömegkultúra - kempizm, art East Village, erősödik neo-pop. Ekkorra tartalmazza a virágzó fotózás művészet - egyre több művész kezdik hivatkoznak rá, mint egy eszköz a művészi kifejezés.
Nézzük az összes fent említett.
1. Modern előfutáraként a modern művészet
Az első progresszív, szokatlan és talán sokkoló hírnökei új trendek a szakterületen lett szecesszió.
A ragyogó felemelkedése Art Nouveau (Eng. És fr. Szecesszió azt. Jugendstiel) tartott egy kicsit több, mint tíz éve, de az viszont a tizenkilencedik és huszadik század ez domináló organikus formák mindenféle képzőművészet és a design.
1895-ben, a natív Németországban és műkereskedő Samuel Bing nyitott egy művészeti galéria Párizsban. „New Art” - Mivel egy műértő a japán művészet, kinyitotta az ajtót, íme a legújabb trendek a festőállvány és alkalmazott műfajok és nevezett alkotása «szecessziós».
Az első megnyitó napján számláztak gazdag gyűjteménye festmények, szobrok, rajzok, kerámiák, művészeti üveg és a bútorok, elképesztő különböző stílusokat. Annak ellenére azonban, ez a sokféleség számos galéria kiállítás két dolog közös - az elutasítás realista hagyományai mellett egzotikus és szimbolikus imádják a dekoratív lehetséges a harapás, mint egy ostor ostor, vonalak.
A reneszánsz óta a nyugati művészet uralkodott realizmus. Felülmúlhatatlan mestere illúzióját keltik háromdimenziós térben helyesen tekintik Caravaggio (1571-1610) és az ő követői. A XIX században a közönség értékelik a képeket, először is, megbízható képet a valóság, tisztelegve a legnagyobb dicséret aprólékos fényképészeti festmények olyan mesterek, mint Ingres (1780-1867). Még fellázadt szigorú akadémiai impresszionisták igyekezett rendkívül pontos transzfer a vászonra az érzékelésnek.
realizmus mindenhatóságát emeli táblakép az állapota „Queen of Arts”, nyomja az árnyékok díszítő és alkalmazott műfajok, így a legtehetségesebb művészek hajlott rá pontosan. Ennek eredményeként, az iparművészet és azok jellemző absztrakt díszítés volt a peremen, és a közepén a XIX. Úgy alakult egy igazi szakadék a festőállvány festők, akik tartották igazi művész, és gázol abban a helyzetben, kézművesek mesterek díszítőművészet.
A fordulópont ez a tendencia, amely döntő szerepet játszott a fejlesztés a modernitás, sőt, a kézimunka egy ember - William Morris (1834-1896). Felháborodott a rossz íze tömeg „fogyasztási cikk”, Morris úgy gondolta, hogy kézműves elválaszthatatlan, és az összes környező emberben meg kell jelölni, hogy a bélyeg a művész.
Miután elsajátította a szakma asztalos, üvegfúvó és a nyomtatót, Morris alakult az 1860-as években. műhelyek, ahol a termék a kreatív fúziós iparművészet. Morris maga nem volt egyenlő létrehozásában minták kárpitok és kárpitok, inspirálta a növényi motívumok a természet. Sok dísztárgyak Morris népszerű napjainkban.
Az egyik Morris társult Edward Burne-Jones (1833-1898), akinek dekoratív stílusa hatott preraffaeliták. A finom elegancia vonal gubanc Burne-Jones vette át a középkori kéziratok. Ennek egyenes következménye, a varázsló a fekete-fehér könyv illusztráció, ilyen módon egyértelműen tükröződik a festmények, díszítő hatás teljesen idegenek voltak az akkori akadémizmus. Arts and Crafts mozgalom volt nagy hatással a fejlesztési Art Nouveau.
Az Európa más részein art alapítványok jöttek támadás alatt egy teljesen más perspektívából. Kétségessé esztétikai értékeinek impresszionizmus, művészek 1880-1890 kétéves. fröccsent a vásznon megfogó gondolataikat és érzéseiket. Szökését látható valóság, tapadást szimbolizmus és a „Navi” csoport tagjai töltött hangsúlyozta dimenziós képi tér örvényes lázadás festékek és hasonló Morris és Burne-Jones, széles körben használt műanyag gazdagságát lineáris mintát.
Kreativitás Beardsley létre izgalom a művészeti világban, és hullámos vonal grafika kezdtek megjelenni a munkálatok a művészek, tervezők és építészek egész Európában. Ez ily módon létrehozott ő miniatűr festmények holland Jan Toorop (1858-1928) a Vol. H. behatolt zavarásával szimbolizmus a „Három Menyasszony” (1893), és a berlini norvég Edvard Munch (1863-1944) volt képes kifejezni a mélységbe a nyomor és a kétségbeesés a filmben "Scream" (1893).
Az építészet egyik legfényesebb képviselői az új stílus volt a belga Victor Horta (1861-1947), bejelentette, hogy a tervezési módszerek tanulmányozására szerkezeti jellemzői üvegből és acélból egy sor kúriák épült Brüsszel, szállodák és irodaházak. Egyik első alkotásai volt Címer kúria, ahol a ritmust harapás, mint az ostor egy ostor, vonal fordul egyszerű felépítését lakóház harmonikus művészi kompozíció. Ez az első alkalom megjelenő első a mobil berendezés motívum fut végig a lobbit a főlépcső, omladozó falak, mennyezetek, parketta és korlát, ismétlődő visszhangja öntöttvas öntvények, díszlécek és festmények.
A házak Victor Horta vonalgrafikaként Beardsley vált szerves műanyag kúszó szőlő. Ezt a stílust sikeresen elkapta a párizsi építész Hector Guimard (1867-1942) szerzett hírnevet vetíti Paris metró. Még a legegyszerűbb közülük nőnek ki a földből az öntöttvas szárak kötődnek ívek a bejárat fölött. Egy ember fantáziáját látja bennük a hatalmas fej káposzta üveg és acél. Hasonló összefüggést okoz sok más épület Guimard Párizsban, valamint megfelelően létrehozott terveit bútorok és lakberendezés.
A másik dolog a belső és bútorok. Kis formák és hajlékonyabb anyag ihlette modernista mesterek több alapos és átgondolt befejezi, és a tervezők, mint például Henry van de Velde (1863-1957) hozta létre a látványos tervek belsőépítészeti elemek - asztalok, gyertyatartók, lámpák és evőeszközök. Az ilyen féktelen repülés képzelet messze nem volt mindenki ízlésének. A követője Morris, Walter Crane úgynevezett Nouveau „dekoratív furcsa betegség”, és sokan talált csúnya groteszk képek Beardsley, Munch és siet, eltúlzott formák Guimard és Gaudi.
Ezek esztétikai probléma a legkevésbé sem zavarta Charles Rennie Mackintosh (1868-1928). Az ő kreativitás jutott kifejezésre ennél a nőnél visszafogott japán szélén modernség helyett dekadens, érzéki kísérletek Beardsley és követői.
Feleségével együtt Margaret MacDonald, a nővére Frances és férje Herbert McNair húga Mackintosh létre egy kifinomult, hűvös, egyszerű stílus az építészetben, a dekoráció és a bútorok. A „kvartett” dolgozik főként Glasgow, projektek végrehajtása, mint a „Willow Tea Rooms”, amely stepy díszített japán stílusú nőalakok beleszőve a stilizált növényi motívumok egy sima fekete-fehér háttér előtt. Azok a gyönyörű virág motívumok ismétlődnek a függőleges vágott fém ajtó szárny ólomüveg, bútorok és berendezési tárgyak teázók.
Különös erővel ezt a stílust nyilvánul létrehozását a legnagyobb Mac - az épület a School of Art, Glasgow. Az egész építési monumentális súlyossága és praktikus, nem hasonlít organikus formák Guimard és Gaudi. Azonban itt stilizált növényi motívumok fordulnak elő a körvonalait dekoratív fröccsöntés.
Az egyenes vonalú stílust Mackintosh és társainak is erős befolyást gyakorol a munkát az osztrák festő Gustav Klimt (1862-1918), talán a legkövetkezetesebb művész az Art Nouveau. Az ő legismertebb vászon körül Klimt létre a „kvartett” hosszúkás nőalak villogását mintázata absztrakt formák és többszínű festékek fémes reflektáló, ami a memória fal polikróm kerámia Antonio Gaudi. Utalva a mozaik technikát, Klimt készült káprázatos hatást a falfestmények a Stoclet palota, Brüsszel (1905-1911).
1910 szinte minden óriások a modernitás felé fordult más művészeti stílusok, és helyüket közepes volt utánzók. És mégis, annak ellenére, hogy a rövid század, ez a dinamikus stílust volt tartós hatással a művészet és építészeti öröksége még mindig tetszik a szemünk.
stílus „Art Deco” váltotta fel a modern. Bold geometriai formák „Art Deco” volt az utolsó szó a tervezés során 1920-1930. Megkülönböztetni luxus és elegancia, a stílus „Art Deco” hatással lesz a megjelenése szinte mindent - a por dobozokat óceánjárók.
„Art Deco” született előestéjén az első világháború, amikor uralja vékony, rugalmas rejlő modernitás vagy „ar nuzh” (in franpuzski «szecessziós» - «új művészet"). Az "Art Deco" éles és dús vonalakkal valójában a modernitás teljes ellentéte volt. A változás első jelei 1909-ben jelentek meg, amikor az orosz balett diadalival Párizsban járt el. Merész, színes jelmezek és díszletek Leon (Lion) Bakst párizsiak ütött, és felzárkózott a couturier Paul Poiret, hamar elnyerte a szimpátiáját a nyilvánosság számára. Idővel a kubista festmények és a modernisták építészete is befolyásolta a már népszerű designot, divatirányzatot teremtve az egyszerű és szigorú vonalak felé.
Ezek a tendenciák, valamint a háború utáni vágyakozás minden szép és új formában alakultak az 1920-as években az Art Deco eredeti stílusában. Fő jellemzője volt a merész, rendezett formák, fényes, tiszta színek és - ami a legfontosabb - a modern anyagok, mint a csiszolt króm és műanyag (miközben általában bakelit). A műanyagot élénk színekben festették, és a krómhoz hasonlóan csillogtak. A sima sugárzó felületek az "art deco" egyik legfőbb jeleivé váltak. Üveg, cserép, zománc, bronz és kovácsoltvas is széles körben használták. Az ilyen stílusban készült tipikus termékek: pannák, lámpatestek és személyes kiegészítők, például box-zseb, karóra és cigaretta tok.
A geometriája „Art Deco” vezethető sok épületben 1920-30, például, az alakja és díszítése a városkép (Empire State Building és a Chrysler Building, New York), és a székhelye a British Broadcasting Corporation (BBC Si) Londonban. A "geometria" szintén a divat fémjelzésévé vált. A fűzőktől mentes, a nők igyekeztek megváltoztatni természetes megjelenésüket, a hajukat egyenletesen megtörni, és a mellbimbót a lehető legegyszerűbbé tenni. Ráadásul a kapulap alakú sapkák, egyenes vágású ruhák és rövid szoknyák vizuálisan hatottak a magasabb növekedésre; még a világos kontúrok és a rózsaszín vastag színe is, amellyel Cupid's Bowt alkalmaznak, az Art Deco stílus tiszta megnyilvánulása.
A szigorú "ar-deco" szimbolizmus különösen hatékony volt egyes rajzfajták esetében. A nap és sugarai, a stilizált cikcakk villámcsapások és lépcsős tárgyak (pl. Piramisok) különösen gyakran használatosak. A betűk új blokk-geometriai vázlata is új volt, ami a háromdimenziós hatást eredményezte; gyakran az üzletek, gyárak és metróállomások homlokzatán, a levéleket megkönnyebbülten hajtották végre, és egymástól elkülönítve szerelték fel őket.
Manapság az Art Deco stílusban kialakult dolgok ritka és drága kiállítási gyűjteményekké válnak, az épületeket újjáépítették vagy lebontották, de a 20-as és 30-as évek belseje még mindig sok régebbi filmben látható. Még a stúdió logóját bemutató bevezető felvételek tipikusan "art deco" -nak is nevezhetők - például egy forgó üveggömb és a Universal Pictures cég naprendszerén. Fred Astaire és Ginger Rogers filmjeinek látványa - luxus szállodai szobák, tánctermek, koktélbárok - a stílus vizuális példái. Maguk a mozik épületei gyakran horkolják az adott korszak jellemző belső terének részleteit.
Ezek a poszterek tükrözik az utazás elérhetőségét, valamint a luxuskivitel, a sebesség és az új technológiák vágyát, amelyek a két világháború között jellemzőek, amikor a környezet közlekedéssel történő szennyezése még nem vált globális problémává.
Egyszerű, letisztult autók, vonatok, repülőgépek és hadihajók voltak stilisztikailag elég szellemében „Art Deco”, és ugyanabban az időben volumenű közlekedési osztályok (komfortot) vezetett a virágzó bútorok repülőgépkabin kabin rekesz gőzhajók és a vonatok. Díszítő elemek, mint például a számok a csuklyát az autók, már a téma gyűjtése, és a kortárs kiállítások „Art Deco”, akkor gyakran látni, alaposan és teljesen felújított belső, például egy vasúti kocsi.
Az öröm tapasztalható a környéken a modernitás és a nosztalgia, segít megmagyarázni a mély és nem szárad ki, és a mai napig a varázsát „Art Deco”, továbbra is az egyik legjelentősebb tervezési stílusok a XX században.
Bővebben: A kortárs művészet születése és fejlődése
Információk a "Kortárs művészet" munkájáról
Magnus Sharmanoff (1964) a munkáiban általában a finn és a nyugati művészet történetét ábrázolja. A produkciós fotókon a finn művészet klasszikus műveit vagy az ősi mitológiától származó tárgyakat reprodukálja. A modern művészet Finnország ismét a grafika felé fordult - mind hagyományos, mind fényképezéssel kombinálva. A nyilvánosság érdeklődése a rajzoláshoz is növekszik - kiállítások.
még mindig van esélyünk arra, hogy valami kevésbé szembesülünk, mint a feltűnő és a közönséges. Az életben éppen ellenkezőleg, a szokatlan dolog miatt elszenvedjük. A mai Modern Művészetek Múzeuma - az utolsó kulturálisan védett hely marad az egyéni kommunikációnak a mindennapi normákhoz, az unalomhoz és a középszerűséghez - azt is feltételezi, hogy a művészet megtart.
az építészeti táj és a vitorláskikötő mint a tájfajták különféle természete). Vannak új szintetikus műfajok (például egy hazai műfaj kombinációja tájképekkel, egy csoportos portré történelmi műfajával). A modern művészet relevanciája. Ezt a kultúra és a művészet egyre növekvő szerepe okozza a posztmodern társadalom feltételeiben, mint az ember önfejlesztésének és önismeretének legfontosabb mechanizmusa.